Hermenegildo Anglada Camarasa , es de los artistas españoles de mayor éxito internacional. Se trata de un hombre con un fuerte carácter, dotado de un inagotable sentido del humor y de una marcada actitud rebelde e inconformista . Desde muy niño tenía una enorme ambición de ser pintor y una pasión desenfrenada por su trabajo, en el que se impuso una férrea disciplina. Comienza sus estudios en  L’escola de Belles Arts en Barcelona, muy a pesar de su madre, Hermen desde muy pequeño tiene claro que desea ser un gran pintor y por ello, decide ampliar sus conocimientos en el siglo XX, estableciendo en París su propio estudio. Fueron años de gran lucha por reivindicar y  mucho esfuerzo por mejorar su capacidad pictórica en la escuela Académie Julian.

Fue premiado en varias exposiciones internacionales, lo que le permitió impartir él mismo clases  a alumnos meritorios de diferentes países.

Anglada Camarasa es todavía un representante de la Belle Époque; sin embargo, supo acompañar la evolución del arte durante la primera mitad del siglo XX aproximándose moderadamente a las vanguardias de ese siglo sin por ello abandonar cierto toque impresionista. Entre los elementos vanguardistas que se encuentran en su obra están el tratamiento antinatural de la luz y el recurso a ((((((densos empastes que le han caracterizado)))))))

 La originalidad de su trabajo se reforzó en 1913 cuando inició su residencia en las islas Baleares ,  tres años después, quedaba fundada la Escuela de Pollensa por él y su discípulo Tito Cittadini.

En la pintura de Anglada Camarasa se distinguen varias épocas:

Época catalana(1885 - 1894): Donde se inicia en el paisaje, de estilo naturalista, en esta, con la enseñanza de Modest Urgell y más tarde en la Escola de Belles Arts de Barcelona, se formó en el arte de la pintura

Primera época parisina (1894 - 1904). Su pintura evoluciona desde el verdeante paisajismo anterior al colorido de la vida nocturna Parisina. Se dedica a representar la vida galante de París mediante figuras difuminadas, en los ambientes de la Belle Epoque, captando también los estragos de la droga en las mujeres y el novedoso alumbrado eléctrico de la época. Además de escenas de vida gitana

 y temática de caballos. Es en ese momento en el que gana gran parte de su fama, a causa de su visión modernista del mundo frívolo de París

Segunda época parisina (1904 - 1914). Las escenas de París dejan paso a representaciones del folclore valenciano, tratando estos temas con gran exuberancia y colorido. También realiza sofisticados retratos, en los que acompaña las figuras femeninas con mantones y motivos florales, y representa algunos desnudos con delicadeza y sensualidad. Es en este momento cuando Hermen , comienza a realizar composiciones complejas con un gama enorme de colores de gran intensidad, lo que le da más singularidad todavía a sus cuadros. Existe una gran variedad de cuadros de esta época,  todos con las características propias de nuestro gran pintor español.

 En general, centra la atención de sus obras en un punto concreto.

Época mallorquina (1914 - 1936). Anglada-Camarasa se ve obligado a mudarse a Mallorca huyendo de Gran Guerra. Se centra en los paisajes de Mallorca. Representa ambientes campesinos y costeros, alejando de sus lienzos la figura humana. También dedica obras  a los peces y fondos del mar, representados con colores vivos y brillos.

Al estallar la primera guerra mundial, su carrera como artista se truncó, pues tuvo que volver a su localidad de origen, después de haber viajado alrededor del mundo y encontrarse en un momento cumbre de su carrera como pintor. Antes de regresar a Mallorca, estuvo exiliado en  Francia entre 1939 y 1947.

Esta breve introducción sobre Hermen, realmente no es más que un repaso de los acontecimientos más importantes (o de algunos de ellos) que ocurrieron en su vida, los cuales, algunos son necesarios para entender algunas características de sus obras. 

Como hemos dicho anteriormente,hablamos de una persona inconformista, y eso está perfectamente plasmado en la técnica de sus cuadros, o más bien en su evolución artística. Aunque desde un principio  la pasión por la pintura se apodera del lienzo y es por ello que no deja indiferente a ninguno de sus espectadores, o al menos no a quien tenga un poco de idea sobre arte.

Existen unas cualidades a la hora de pintar sus cuadros, únicas en su proceso,técnica, etc.. que hacen que su obra sea totalmente reconocible.

 En primer lugar, se podría decir que en la mayoría de sus cuadros, Hermen decide dejar un oscuro fondo que es quizá lo que permite al contenido interno del cuadro a resaltar más todavía. La tematica de sus cuadros suele ir encaminada a  paisajes, bodegones, mujeres, caballos, entre otros.. La técnica que predomina en casi todos sus cuadros es Oleo sobre lienzo.

 Realmente, sus obras  están inspiradas, por el ambiente de los lugares que ha visitado a lo largo de su vida, cabe destacar la influencia que tuvo sobre él , el ambiente de La Belle Époque.

 En sus cuadros podemos observar, que no existe una verdadera línea que delimite las formas, sino que es la forma en si, es la que a través manchas de colores, consigue crear formas muy elaboradas y originales.

Claramente estamos ante un autor que no llega a terminar nunca sus cuadros, por lo tanto son, de factura inacabada.Sus obras carecen de naturalidad,  y es que, aunque incorpora en ella sombras a sus personajes y o objetos, nunca llega a conseguir ese volumen que probablemente  en el no buscaba.  En cuanto a la luz, he podido deducir que la fija en lugares concretos, y  no suele ser una de sus características más visibles. Utiliza otros colores para darle sobra y formas a los objetos, personas u objetos, pero nunca se ayuda del negro.

Una de las características que si son llamativas en sus cuadros, es la intensidad de los colores que utiliza, y la enorme gama de ellos, que es capaz de usar en una sola obra.

Gracias a todas estas características, unas con más y otras con menos peso, Hermen consiguió en algúnn momento de su vida ser el pintor vanguardista que deseaba, gracias a su originalidad, su empeño y esfuerzo a pesar de los altibajos que le tocó vivir, fue un artista innato con un deseo imparable de pintar, de mejorar y superarse obra a obra. 

A continuación, hablaré, y analizare desde mi punto de vista, una de las obras que más me han llamado la atención, de este gran pintor, que supo como marcar la diferencia.

Y se trata de La gata rosa, realizada en el año 1970 , y actualmente se encuentra en Madrid.  Su puja alcanza casi los tres millones de euros. Según he leído es la pieza estrella de este autor.

 Esta magnífica obra de arte, esta compuesta como es común en su autor, por una mujer recostada de una manera bella a la vista, en un sofá. Podría decirse que se trata de una novia. Es fácilmente apreciable, y como en Hermen, la cantidad de detalles que ha decidido introducir en estos dos elementos. Aunque a primera vista pueda parecer que está sobrecargado, y aunque lo esté, lo contrasta con la utilización de unos colores claros, que no son tan agresivos a la hora de observarlos detenidamente. La gama de colores que utiliza es muy reducida, en su gran mayoría son de tono pastel, incluso en sus sombras los utiliza,  ya que le dan la forma deseada  a la figura de la mujer. El sofá, carece  visiblemente de volumen y de perspectiva.

Se podría decir que la pincelada que realiza es suelta, pero es difícil imaginar que consigue de esa forma detallar tan bien  el estampado o detalles en la cara de la mujer.

 Como ya hemos dicho, a pesar de que existen sombras que dan volumen a las figuras no consigue llegar hasta el efecto naturalista y su factura es reconociblemente inacabada

No se con exactitud el objetivo de esta obra, pero si sé ,yo y cualquiera que la observe, que las sensaciones que transmite al observarla, no son más, que  relajación, bienestar, belleza, tranquilidad,  concentración, y comodidad.

Desde mi punto de vista, este artista, consiguió llegar a donde quiso, gracias a su pasión por el arte, al esfuerzo incansable y a la originalidad por cada uno de sus costados. Me ha gustado mucho haber analizado a Hermen, ya que no me ha supuesto un gran esfuerzo realizar este trabajo, debido a la belleza de cada una de sus obras y su interesante e intensa vida. Me encanta como plasma su forma de ver la vida en cada cuadro, y la forma que tiene de observarla. Sus cuadros están vivos y que hoy día esté estudiándolo,  significa que triunfó y mezcló los ingredientes necesarios para que hoy día se hable de él.

PINTURA: Lluvia, vapor y velocidad de William Turner

Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del Oeste, es un cuadro realizado por el pintro romántico Británico Joseph Mallord William Turner. En el paisaje del cuadro aparece si observamos con detenimiento, un tren, un puente, y una barca. Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres.

En cuanto a su pintura, se trata de un óleo sobre lienzo, el cual mide 91cm de alto x 121,8 de ancho. Podemos apreciar la pincelada suelta y la inexistencia de la línea casi por completo. El cuadro es completamente un emborronamiento provocado como su propio nombre indica, además de por la lluvia, por el vapor y la velocidad del “Gran ferrocarril del Oeste”. Su factura es completamente inacabada y sus colores vivos. La luz es antinatural, ya que en ningún apartado del cuadro refleja la dirección en que viene o va en el paisaje, recurre a una luz muy intensa que transmite más la emoción que la realidad objetiva, logrando crear así la atmósfera que permite ofrecer una representación verídica.

. Tiene celaje, ya que su cielo al igual que casi el cuadro por completo, está borroso y parece que esté nublado. En cuanto al volumen, sólo se aprecia en la parte de arriba del tren, debido a sus sombras, pero el resto de elementos carecen por completo de volumen. Un elemento importante frente a la perspectiva del cuadro es el ferro , ya que se aprecia el cambio de tamaño conforme se va alejando. El conjunto de todo lo anteriormente dicho, conluye con el movimiento que consigue crear . Destaca el antinaturalismo.

Esta pintura fue expuesta por primera vez en la Royal Academy en 1844, aunque pudo haber sido pintada anteriormente. La fecha en que se realizó es significativa ya quelos ferrocarriles eran aún algo nuevo. A diferencia de otros pintores de esta época, Turner, admiraba la técnica moderna y por ello pinta y aprecia la industrialización viendo así, el progreso industrial.

El movimiento en el que se pintó este cuadro, es el romanticismo. Turner usaba una tecnica muy particular, con la que obtenía una gran cantidad de efectos lumínicos cambiantes. Aplicaba colores y los rascaba hasta extraer del fondo, las formas figurativas. Con su particular técnica obtiene una textura inconfundible.

La belleza de este cuadro reside en la intriga por encontrar elementos, y averiguar que función tienen y porqué están colocados en determinado lugar. Es increíble como a medida que lo observas encuentras elementos escondidos que se interpretan de distintas maneras a través de distintas formas de apreciación. Turner pintó este cuadro por su fascinación hacia el funcionamiento de este vehículo de transporte que apareció en esa época para quedarse, aunque de distinta forma.

 

PINTURA: La balsa de la medusa de Theodore Gericault

La balsa de la medusa, es la obra más importante de Theodore Gericault.

 Esta pintura es de formato grande (491cm x 716). En ella apararece la figura humana llenando casi por completo el espacio del cuadro. Aparece un conjunto de personas sobre una balsa que esta en pleno naufragio de la fragata de la marina francesa Méduse, encallada frente a la costa de Mauritania el 2 de Julio de 1816. Actualmente se encuentra en el museo del Louvre, en París.

La técnica usada en esta obra de arte es de óleo sobre lienzo en grandes dimensiones, lo cual es típico en las obras de carácter histórico. Desaparece la línea para dar paso a la forma a través de las manchas de color, las cuales son vivas y sin limite definido. La pincelada que usa Gericault es suelta. Estamos hablando de un cuadro con una factura inacabada. El autor consigue crear volumen a partir de sombras que coloca adecuadamnete en cada elemento para conseguir el efecto deseado. La luz es natural, pero bien es cierto que en algunos detalles del cuadro diría que no lo és. Claramente en el fondo, aparece celaje en el cielo. Utiliza una gama de colores reducida, que va desde el beig al negro, pasando también por tonos claros. Consigue crear perspectiva a través de la colocación de los elementos, en cuanto al esquema lineal está compuesta por dos triángulos. Predominan las lineas rectas e inclinadas. La anatomía de los personajes es correcta y transmiten el dramatismo que su autor pretende hacernos sentir. En cuanto a aspectos técnicos, es naturalista.

Este cuadro presenta la pérdida de la fragata Medusa, enviada a Senegal por el gobierno Francés, bajo el control del Conde Chaumareix, un hombre que 25 años atrás había ejercido como oficial de la armada, al cual se le atribuye el desastre sucedido.

Al seleccionar esta tragedia como tema de su primer trabajo importante, Gericault, escogió un incidente muy conocido para generar un interés público y , al mismo tiempo, ayudarlo a impulsar su carrera. Al autor le fascinó el evento y antes de comenzar la obra realizó varios bocetos e incluso entrevistó a dos de los supervivientes y después de la preparación intensa que realizó comenzó a retratarlo, aprovechándolo para usarlo como cuadro-protesta, ya que tanto el autor como la sociedad de su época afirmaban que el naufragio se había producido por un conjunto de errores cometidos por las autoridades.

Con este cuadro, consigue llegar hasta su objetivo en su primera exhibición en el Salón de París (1819) , donde se ganó tanto los elogios apasionados como críticas negativas. Finalmente se convierte en el iniciador del Romanticismo a la vez que figura de éste.

PINTURA: La noche estrellada de Vincent Van Gogh

El cuadro ante el que estamos es el conocido como Noche estrellada de Vincent Van Gogh (1889); en el que aparece el paisaje de la noche en un pueblo, en la parte de abajo del cuadro Van Gogh representa un pequeño pueblo del que destaca la aguja de su catedral o iglesia, posiblemente de estilo gótico. Las casas son realizadas con precisión a través de gruesas líneas que se rellenan de color. En muchas de ellas una pequeña luz dorada nos indica la vida familiar dentro del hogar. Adornada con la luna, estrellas, y algún que otro elemento natural. En definitiva, la finalidad de esta obra de arte consiste en agradar al espectador mediante la belleza. Actualmente se conserva en el museo de Arte Moderno de Nueva York, Estados Unidos.

La técnica utilizada es el óleo sobre lienzo, con una linea muy muy marcada como podemos observar y una factura visiblemente inacabada. Sus colores son vivos y van desde tonos claros como azul, amarillo y blanco hasta más oscuros como verde, marrón y negro. Su luz es antinatural y carece de volumen en sí, ya que sólo apreciamos algunas sombras en las montañas del fondo y tampoco llegan a estar definidas. El cuadro está pintado desde una perspectiva relativamente alta, por el seto que aparece en “primer plano” prodríamos decir que parecer haber sido pintado desde lo ante de una colina. Como es notable, lo más destacado de este cuadro es la sensación de movimiento que produce al observarlo, gracias a los remolinos que el autor ha decidido colocar al rededor de la luna y de las estrellas, emborronando casi por completo su figura en alguna de ellas.

Esta obra de arte, fue pintada desde la ventana del cuarto sanitario en el que Vincent residía en aquella época, donde recluyó hasta el final de su vida. A pesar de ser de noche en el cuadro,Van Gogh lo pintó de día de memoria. Data en 1988, trece meses antes de su muerte. Por simple deducción, después del análisis realizado, podemos decir sin lugar a duda que el estilo de nuestro afamado pintor Van Gogh es el postimpresionismo.

En conlcuión me gustaría dar mi opinión personal y decir que, este cuadro ha pasado a la historia del arte por la historia y el arte que éste conlleva. Es muy agradable de observar y te hace introducirte de alguna manera en la manera o la psicología que tenía Van Gogh a la hora de apreciar la vida. La belleza que yo encuentro aquí es que este hombre consiguió plasmar de una manera increíble la manera en que él interpretaba el cielo nocturno, con la ayuda de especies de “remolinos” consigue dar rienda suelta a su expresividad sobre el lienzo y a la vez que crea sensación de movimiento y magia consigue hacer que lo que era un insignificante lienzo ahora sea una obra de arte en la que aparece un cielo con vida propia. 

Esta obra de Van Gogh, es una de mis favoritas y de las más complejas de analizar, muestra como Van Gogh, recluido y víctima de su enfermedad usa la pintura para mostrar más que la realidad observable y cambiante, como había sido el motivo de los pintores impresionistas, su visión de la misma realidad, alterada por sus sentimientos desbordados.