PINTURA: Lluvia, vapor y velocidad de William Turner

Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del Oeste, es un cuadro realizado por el pintro romántico Británico Joseph Mallord William Turner. En el paisaje del cuadro aparece si observamos con detenimiento, un tren, un puente, y una barca. Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres.

En cuanto a su pintura, se trata de un óleo sobre lienzo, el cual mide 91cm de alto x 121,8 de ancho. Podemos apreciar la pincelada suelta y la inexistencia de la línea casi por completo. El cuadro es completamente un emborronamiento provocado como su propio nombre indica, además de por la lluvia, por el vapor y la velocidad del “Gran ferrocarril del Oeste”. Su factura es completamente inacabada y sus colores vivos. La luz es antinatural, ya que en ningún apartado del cuadro refleja la dirección en que viene o va en el paisaje, recurre a una luz muy intensa que transmite más la emoción que la realidad objetiva, logrando crear así la atmósfera que permite ofrecer una representación verídica.

. Tiene celaje, ya que su cielo al igual que casi el cuadro por completo, está borroso y parece que esté nublado. En cuanto al volumen, sólo se aprecia en la parte de arriba del tren, debido a sus sombras, pero el resto de elementos carecen por completo de volumen. Un elemento importante frente a la perspectiva del cuadro es el ferro , ya que se aprecia el cambio de tamaño conforme se va alejando. El conjunto de todo lo anteriormente dicho, conluye con el movimiento que consigue crear . Destaca el antinaturalismo.

Esta pintura fue expuesta por primera vez en la Royal Academy en 1844, aunque pudo haber sido pintada anteriormente. La fecha en que se realizó es significativa ya quelos ferrocarriles eran aún algo nuevo. A diferencia de otros pintores de esta época, Turner, admiraba la técnica moderna y por ello pinta y aprecia la industrialización viendo así, el progreso industrial.

El movimiento en el que se pintó este cuadro, es el romanticismo. Turner usaba una tecnica muy particular, con la que obtenía una gran cantidad de efectos lumínicos cambiantes. Aplicaba colores y los rascaba hasta extraer del fondo, las formas figurativas. Con su particular técnica obtiene una textura inconfundible.

La belleza de este cuadro reside en la intriga por encontrar elementos, y averiguar que función tienen y porqué están colocados en determinado lugar. Es increíble como a medida que lo observas encuentras elementos escondidos que se interpretan de distintas maneras a través de distintas formas de apreciación. Turner pintó este cuadro por su fascinación hacia el funcionamiento de este vehículo de transporte que apareció en esa época para quedarse, aunque de distinta forma.

 

PINTURA: La balsa de la medusa de Theodore Gericault

La balsa de la medusa, es la obra más importante de Theodore Gericault.

 Esta pintura es de formato grande (491cm x 716). En ella apararece la figura humana llenando casi por completo el espacio del cuadro. Aparece un conjunto de personas sobre una balsa que esta en pleno naufragio de la fragata de la marina francesa Méduse, encallada frente a la costa de Mauritania el 2 de Julio de 1816. Actualmente se encuentra en el museo del Louvre, en París.

La técnica usada en esta obra de arte es de óleo sobre lienzo en grandes dimensiones, lo cual es típico en las obras de carácter histórico. Desaparece la línea para dar paso a la forma a través de las manchas de color, las cuales son vivas y sin limite definido. La pincelada que usa Gericault es suelta. Estamos hablando de un cuadro con una factura inacabada. El autor consigue crear volumen a partir de sombras que coloca adecuadamnete en cada elemento para conseguir el efecto deseado. La luz es natural, pero bien es cierto que en algunos detalles del cuadro diría que no lo és. Claramente en el fondo, aparece celaje en el cielo. Utiliza una gama de colores reducida, que va desde el beig al negro, pasando también por tonos claros. Consigue crear perspectiva a través de la colocación de los elementos, en cuanto al esquema lineal está compuesta por dos triángulos. Predominan las lineas rectas e inclinadas. La anatomía de los personajes es correcta y transmiten el dramatismo que su autor pretende hacernos sentir. En cuanto a aspectos técnicos, es naturalista.

Este cuadro presenta la pérdida de la fragata Medusa, enviada a Senegal por el gobierno Francés, bajo el control del Conde Chaumareix, un hombre que 25 años atrás había ejercido como oficial de la armada, al cual se le atribuye el desastre sucedido.

Al seleccionar esta tragedia como tema de su primer trabajo importante, Gericault, escogió un incidente muy conocido para generar un interés público y , al mismo tiempo, ayudarlo a impulsar su carrera. Al autor le fascinó el evento y antes de comenzar la obra realizó varios bocetos e incluso entrevistó a dos de los supervivientes y después de la preparación intensa que realizó comenzó a retratarlo, aprovechándolo para usarlo como cuadro-protesta, ya que tanto el autor como la sociedad de su época afirmaban que el naufragio se había producido por un conjunto de errores cometidos por las autoridades.

Con este cuadro, consigue llegar hasta su objetivo en su primera exhibición en el Salón de París (1819) , donde se ganó tanto los elogios apasionados como críticas negativas. Finalmente se convierte en el iniciador del Romanticismo a la vez que figura de éste.

PINTURA: La noche estrellada de Vincent Van Gogh

El cuadro ante el que estamos es el conocido como Noche estrellada de Vincent Van Gogh (1889); en el que aparece el paisaje de la noche en un pueblo, en la parte de abajo del cuadro Van Gogh representa un pequeño pueblo del que destaca la aguja de su catedral o iglesia, posiblemente de estilo gótico. Las casas son realizadas con precisión a través de gruesas líneas que se rellenan de color. En muchas de ellas una pequeña luz dorada nos indica la vida familiar dentro del hogar. Adornada con la luna, estrellas, y algún que otro elemento natural. En definitiva, la finalidad de esta obra de arte consiste en agradar al espectador mediante la belleza. Actualmente se conserva en el museo de Arte Moderno de Nueva York, Estados Unidos.

La técnica utilizada es el óleo sobre lienzo, con una linea muy muy marcada como podemos observar y una factura visiblemente inacabada. Sus colores son vivos y van desde tonos claros como azul, amarillo y blanco hasta más oscuros como verde, marrón y negro. Su luz es antinatural y carece de volumen en sí, ya que sólo apreciamos algunas sombras en las montañas del fondo y tampoco llegan a estar definidas. El cuadro está pintado desde una perspectiva relativamente alta, por el seto que aparece en “primer plano” prodríamos decir que parecer haber sido pintado desde lo ante de una colina. Como es notable, lo más destacado de este cuadro es la sensación de movimiento que produce al observarlo, gracias a los remolinos que el autor ha decidido colocar al rededor de la luna y de las estrellas, emborronando casi por completo su figura en alguna de ellas.

Esta obra de arte, fue pintada desde la ventana del cuarto sanitario en el que Vincent residía en aquella época, donde recluyó hasta el final de su vida. A pesar de ser de noche en el cuadro,Van Gogh lo pintó de día de memoria. Data en 1988, trece meses antes de su muerte. Por simple deducción, después del análisis realizado, podemos decir sin lugar a duda que el estilo de nuestro afamado pintor Van Gogh es el postimpresionismo.

En conlcuión me gustaría dar mi opinión personal y decir que, este cuadro ha pasado a la historia del arte por la historia y el arte que éste conlleva. Es muy agradable de observar y te hace introducirte de alguna manera en la manera o la psicología que tenía Van Gogh a la hora de apreciar la vida. La belleza que yo encuentro aquí es que este hombre consiguió plasmar de una manera increíble la manera en que él interpretaba el cielo nocturno, con la ayuda de especies de “remolinos” consigue dar rienda suelta a su expresividad sobre el lienzo y a la vez que crea sensación de movimiento y magia consigue hacer que lo que era un insignificante lienzo ahora sea una obra de arte en la que aparece un cielo con vida propia. 

Esta obra de Van Gogh, es una de mis favoritas y de las más complejas de analizar, muestra como Van Gogh, recluido y víctima de su enfermedad usa la pintura para mostrar más que la realidad observable y cambiante, como había sido el motivo de los pintores impresionistas, su visión de la misma realidad, alterada por sus sentimientos desbordados.